Así agradecía desde sus Redes Sociales, Juan López, el artista cordobés que participó en el Lollapalooza Argentina 2025 y que sorprendió a todos luciendo una remera que decía "La Ruta del Dinero K" y en la cual de podían observar los logos e identificaciones de diferentes programas de los gobiernos kirchneristas: ANSES, Ahora 12, Precios Cuidados, Canal Encuentro, SUBE, INCAA y varios otros logros y beneficios destacados de las gestiones de Néstor y Cristina Kirchner.

Parte de la performance de Juan López en Lollapalooza Argentina 2025

¿Quién mierda es Juan López?, el leit motiv de sus presentaciones

Quién es Juan López, el artista cordobés que lanzó su álbum "No más promesas" donde mezcla el indie con lo urbano

Fue telonero de Dillom, formó parte del festival Nueva Generación, abrió el sideshow de Cuco y tiene colaboraciones con Ill Quentin y Broke Carrey.

Juan López, oriundo de Córdoba, publicó su disco titulado "Culiado", el año pasado, el cual explora una variedad de géneros y ritmos que se terminaron volviendo todo un éxito, donde la canción "Me Siento Solo" y que ya superó récords de reproducciones en la plataforma Spotify.

En una entrevista con El Milenio, el músico reveló sus orígenes con la música, la importancia que le da a las redes sociales y como es creciendo en este ambiente cada vez más competitivo de la música. "Para mí los videoclips son primordiales. A mí me encantan mucho, pero me encantan cuando hay algo para decir", se sinceró el cantante.

Bueno, vamos por la primera pregunta: ¿Cuál es tu historia con la música?

Juan Lopez: Mi historia con la música es algo, ya lo siento medio como que es de toda la vida y que va a ser algo por toda la vida, siento como que no es una simple etapa.

Creo que empecé este amor por la música desde que era chico. Tenía entre 9 y 10 años y veía como mi tío, mi hermano y mi primo tocaban la guitarra, el bajo y la batería. Estaban tocando juntos encerrados en una habitación y yo estaba en el living de la casa de mi abuela diciendo la «puta madre, ¿por qué no puedo ser parte de eso?«, creo que ahí nació un poco. Como de esas ganas de querer pertenecer y hacer algo con la música.

Con el tiempo lo fui haciendo, empecé tocando la guitarra, aunque en un principio quería tocar la batería, pero nunca tuve una batería -igual fui baterista de una banda por un montón de tiempo- pero nada, el primer instrumento carrera se puede decir que fue la guitarra y empecé a tocar, todo autodidácticamente siendo muy chico.

Empecé, en principio a armar mis canciones y después iba sacando alguna que otras cosas que me gustaban, pero desde un principio me gustaba crear, seguramente lo que hacía era una mierda pero yo me acuerdo que desde pequeño siempre creaba canciones, riffs y cosas asi.

¿Qué puntos de quiebres marcarias en tu carrera?

Yo creo que hay mucho más de lo que soy consciente. Siendo sincero, creo que hay cosas que me han marcado y por ahí en este momento no me doy cuenta.

El hecho de haber empezado mi carrera de solista fue un buen punto de quiebre, ya que yo venía de tener una banda, y fue acabar con esa idea de querer tener una banda y que sea gigante a decir: «bueno, voy a hacer esto solo y que sea aún más grande».

Hubo muchos momentos en los que este sentimiento se disipó un poco, momentos en los que no sabía bien que música hacer o no me salía nada bien.

Miles de dudas, pero creo que al momento de planear este disco "Culiado", fue también un gran punto de quiebre. Siento que terminé encontrando un buen balance de lo que soy y de lo que quiero mostrar, y la música que me gusta. Pero luego hubo cosas entre medio que me marcaron e hicieron que sea quien soy.

Cuando me mudé a Buenos Aires para vivir de la música, trabajar de esto, hay un millón de cosas que me han cambiado y que hoy en día me ayudan a ser una persona mucho más adulta. Hay muchas cosas mas pero no las marcaría como puntos de quiebre sino como resaca o recompensa de lo que he vivido siempre.

¿Cuál es tu proceso creativo?

Estos últimos años tuve suerte de participar de muchos proyectos en los que he colaborado con más artistas, que han sido muchas personas componiendo y llevando un fin conjunto. Creo que eso me ayudó mucho a la hora de pensar en el proceso creativo.

A su vez, me permite ser una persona más libre y no ser tan estructurada en ciertas cosas. Creo que trato de tomar al proceso creativo de una forma sencilla, dejar que este sea lo que es, no me no me trató de limitar o delimitar con ciertas cosas, sino que simplemente que fluya y que se arme la que sea.

Después si te gusta o no te gusta va cambiando, trato de no hacer siempre lo mismo. Muchas veces empiezo canciones con un teclado haciendo una progresión o con una guitarra y armó toda la letra de la canción con esas dos cosas, después le agregando y dandole enfasis otras veces capaz empiezo con un ritmo de batería y hay veces que simplemente empiezo con una melodía de voz.

Trato de simplificar todo al minimo y desde cero saber a qué lado quiero ir, trato de que la primera idea sea la línea general de todo lo que vaya a ser, quede o no, trato de divertirme, que no sea siempre lo mismo.

Aparte de MAC de Marcos y Savia Path ¿qué otra influencia musical tenés?

Tanto Mac de Marcos y Savia Path han sido mis dos influencias más grandes a la hora de iniciar este proyecto como solista, ellos dos son los primeros que vi que hacían las cosas solos y que me encantaba y que me volvió loco. Ellos lo hacen todos solos y lograron todo esto es como bueno, yo voy a intentar hacer lo mismo, fue mi primer amor como solista en sí.

Después hay muchas influencias que son de toda la vida y de cosas que me han marcado mucho que también tiene que ver con el hecho de que yo vengo de lado mucho más de la música pesada, tipo la primera banda y artista que me gusto fue Slipknot, que lo siento como una gran influencia artística por lo que me han generado y por lo que son.

También muchas bandas o cosas que hayan sido como de la música del 2000 o de los 90s más por ese lado como los Rolling Stone o Queen. Cosas que también he escuchado mucho en mi vida, sobre todo cuando era chico.

Después también obviamente la movida más indie que se empezó a generar como en el 2010 por esa época y después también yo creo que una de las influencias más grandes que tengo que está muy claro también en la música que hago hoy y con lo que soy que es el hip hop el rap que fue algo que cuando era adolescente cuando empecé a pintar cuando empecé a andar en skate fue como a un mundo el que llegué y como que me encantó y ahí se ven influencias como Tayler The Creator es también una gran influencia para mi música por todo lo que hace, que lo hace todo solo y que a su vez también rapea o Kanye West onda son influencias también como que a nivel creativo y a nivel de lo que significan para la cultura lo sigo mucho y nada son como mis pilares se puede decir.

¿Cuáles son tus objetivos de 2024 a nivel artista?

El objetivo a nivel artista este año lo que yo tengo ganas es tocar en todos lados y poder llevar este disco a otros lados para que nueva gente conozca mi música. Yo creo que este año mi meta más importante es darme a conocer y poder hacer llegar mi trabajo a todos lados y empezar a pensar cosas nuevas.

¿Alguna artista under argentino internacional que para vos debería ser más conocido?

Yo (Risas), under argentino me cuesta ser objetivo porque siento que mis amigos son los mejores y siento que ellos se merecen ser completamente famosos a full. Así que te la debo, pero internacional que yo siento que tiene que ser más famoso y que me gusta mucho y es increíble es Makgee y Dijo. También es muy bueno, son dos artistas increíbles y que siento que me han influenciado, también Paris Texas, todos son artistas que son nuevos y que siento de que van a generar lo que es el próximo sonido.

¿Qué tanta importancia les das a los videoclips?

Para mí los videoclips son primordiales. A mí me encantan mucho, pero me encantan cuando hay algo para decir. Es decir, no siento que todo tenga la necesidad de tener un videoclip.

Siento que hay que ser preciso e ir al punto de las cosas. Si vas a hacer un videoclip, que sea algo que significa algo para vos, que sea algo diferente y que sea algo tuyo.

Hacer un videoclip es más caro que la mierda, es literalmente una lanza que tenés para hacerla perfecto, si no, estás perdiendo plata, pero si, a mí me encanta pensar videoclips, me encanta armar cosas que tenga que decir y que tengan que ver con la música. Armar historias en base en eso para mí es muy importante.

¿Cuáles son tus siguientes shows?

Bueno, por suerte hoy lo acabo de anunciar, mis siguientes shows son en la primera parte del tour de culeado que tuvimos la suerte de poder hacerlo. Van a ser en julio, el 20 de julio vamos a tocar en Rosario gratis, el 21 tocamos en pétalo del Sol allá en Córdoba y el 10 de agosto presentamos el disco en Buenos Aires, esto va a seguir así y seguramente tengamos más fechas, pero todo se va a ir anunciando al momento.

¿Qué diferencias notas entre tu nuevo disco y los anteriores?

Yo creo que la diferencia de este disco con los anteriores es que en este estoy más sólido con lo que quiero. Contar lo que quiero y como lo quiero contar a veces es muy difícil. También teniendo en cuenta de que todo el disco lo hice básicamente yo.

He tenido ayuda de Bernardo Ferron que el es el que ha mixeado el disco con cosa de postproducción o con ideas o con palabras cuando me hacían falta, pero el disco básicamente lo hice yo.

Siento que el punto era ese, hacer un disco que se llame «Culiado», que la gente diga: "Culiado, suena Juan López", que sea mi música, yo creo que este disco está preciso en eso y también siento que es como el primer disco que pude trabajar finamente el sonido y sonar como quería.

"No más promesa" fue más que todo un disco en el que, como el nombre lo dice, no hay más promesas. Fue un procesos creativo más trash, como grabar la voz donde podía, hacer todo rápido y decir «listo este disco tiene que salir porque este disco tiene mucho tiempo encima».

Siento que encontré un muy buen equilibrio entre lo que soy y lo quiero con este disco.

Ya habiendo pasado por tantos géneros como el post hardcore, pop, hip hop, ¿queres apuntar, algo más indie o queres seguir con la onda de ofrecer estilos muy variados?

Creo que con "Culiado" es la primera vez que siento que estoy como congeniando todos mis mundos en una sola música. Es este plan que me gusta llamarlo «indie urbano», porque tiene elementos de música indie también elementos de hip hop y a su vez, también tiene influencias como en momentos de la música pesada, que es lo que me gusta también y algo que me ha marcado.

Estoy buscando generar ese sonido y quiero seguir desarrollando esto. Llevarlo a otro nivel todo lo que estoy haciendo.

En "No más promesa capaz" varíe mucho más y por haber muchas más cosas, pero yo creo que hoy en día si tuviera que apuntarme a un género sería indi urbano que sería como justamente la combinación de hip hop con cosas de indie rock y algunas otras cosas más pesada, pero como ir a ese ese sonido.

¿Qué significa como proyecto musical "Culiado" para vos?

"Culiado" es mi vida, con este disco busqué hacer algo que me marque a mí, como un antes y un después en mi vida. Poder poner diferentes cosas que me hacen ser quien soy en una línea cronológica, aunque hay muchas cosas que no pasaron de la manera que la cuento sino como que fui cambiando la forma, pero esto bastante relatable. Quise buscar cosas en mi vida y formar toda esta historia. Estoy muy contento con eso.

¿Cuánto tiempo de producción tuvo el álbum "Culiado"?

La verdad que tiempo de producción fue un año más o menos capaz hasta menos. Lo que pasa con "Culiado" es que hay muchas canciones que la empecé mucho tiempo antes o hay pequeñas ideas pequeñas que ya las tenía hace un montón de años. Yo saqué un par de canciones, las mejores y armé este disco nuevo y arme todo el resto, pero me cuesta como decir cuál fue el tiempo de producción por el hecho de que hubo muchas cosas dando vueltas que existían antes de que incluso esté la idea de que el disco se llame "Culiado".

¿Cómo pasaste de telonero de Dillom a tener una conexión con el y incluso participar en su nuevo disco?

Lo que pasa con Dillom es que tenemos mucha gente en común, una de ellas Fermín.

Gracias a Fermín han pasado la mayoría de todas estas cosas ya que él me llamó para participar del álbum y también me llamó para que abra una de las fechas de Dillom.

Después con Dillom tenemos una muy buena conexión, a él le gusta lo que hago y me gusta mucho lo que él hace. Creo que va más allá de la amistad, como que se armó algo lindo, en el que yo le puedo decir que venga a mi disco y él me invita a su disco. Así se armó una relación de amistad gracias a la música, por suerte, pudimos aprovechar el hecho de que nos guste la música a ambos y poder hacer algo en conjunto.

¿Cómo funciona el equipo de Juan López más allá de lo artístico?

Para la mierda. Na mentira (risas). El equipo de Juan López es muy disminuido a nivel artístico. Literalmente yo acepto como colaboraciones a cualquier persona. A nivel artístico está Fidel Schooler, que me ayudó con la foto pero la mayoría del proceso las hago yo mismo, sea visual o musical, todo me encargo yo.

Después está Camila que es mi manager. Nosotros somos como el centro del grupo y después mucha gente colaboradora, nos ayuda a hacer diferentes cosas, pero el eje funcional somos nosotros dos de momento. También existe Joaquín que es la persona que me ayuda con distribución digital y que las cosas se suban a tiempo y todo eso pero nada, de momento es un equipo chico se puede decir.

Créditos de la entrevista: Pedro Camussi, para El Milenio

También, a pesar de compartir generación, los caminos de Charly y Federico fueron muy disímiles hasta encontrarse a comienzos de los '80. Una vez allí, hubo roces iniciales y finalmente un entendimiento total.

Al principio, say no more...

Si bien Charly ironizaba sobre la new wave en "Cinema Verité": "mientras miro las nuevas olas, yo ya soy parte del mar", a partir de su carrera solista abrazaría esa modernidad, y Virus sería una banda a la que valoraba y respetaba.

Federico por su parte, si bien al comienzo podía disparar algunos dardos contra la incorporación de Charly a las nuevas tendencias, siempre apostaría por quienes tomaban riesgos y evolucionan.

Una vez, en 1985, Charly viajó al Chateau Rock de Córdoba para tocar con Virus "Carolina", aquel tema de origen español que la banda de Federico popularizó en nuestro país, y pudieron compartir escenario al ritmo de un rocanrol básico y poderoso, con todo el ADN de los comienzos.

La relación de Charly y Federico

Cuenta la leyenda que al enterarse de que Federico estaba viviendo sus últimos días, Charly se acercó a su casa a despedirlo y a sellar el adiós con un beso en la boca.

Recientemente, Marcelo Moura, hermano de Federico y miembro activo de Virus, contó sobre aquella anécdota: "Fui muy amigo del Flaco (Luis Alberto Spinetta) y hoy lo soy de Charly García", contó Marcelo.

Yo iba mucho a la casa de Charly. Hay una cosa muy loca que pasa con él y es que nació el mismo día, del mismo mes, del mismo año y a la misma hora que Federico.

Marcelo Moura habló sobre el gesto que tuvo García con su hermano, quien tenía sida y ni el médico que lo atendía le daba la mano.

Cuando Federico se enfermó, ya en sus últimos días, él se sentó al lado en una cama y estuvo ahí con él todo el tiempo. Y bueno, he tenido una relación muy entrañable con Charly.

El legado de Charly García y Federico Moura

visionarios que vivieron la efervescencia de aquellos 80, perdura en el corazón del rock nacional y nuestra cultura entera. El mejor modo de comprobarlo es para las orejas y escuchar cómo, a pesar de los años, sus músicas siguen saliendo de los parlantes y continúan siendo referentes para las nuevas generaciones.

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La Estética y la Influencia

La estética de Federico Moura y Virus no se limitaba solo a la música.

Moura, con su estilo andrógino y vanguardista, desafió las normas de género y se convirtió en un ícono de la moda. Su influencia en la cultura pop y la música perdura hasta el día de hoy.

"tu beso en el vidrio dejó marcado el rush"

Junto con sus letras de doble sentido, muchas escritas en colaboración con el poeta

Tras un último concierto en mayo de 1988, Federico optó por alejarse discretamente de los medios para transitar estas instancias de su enfermedad. Murió en la madrugada del 21 de diciembre de ese año, como consecuencia de una insuficiencia cardiorrespiratoria en su departamento de San Telmo. Tenía 37 años.

El Festival por la Solidaridad Latinoamericana vio a los nacidos el mismo día en veredas opuestas en torno a la participación

Mientras García se subió al escenario de Obras acompañado por Lebón, Raúl Porchetto, León Gieco y Nito Mestre, Virus fue la única banda con disco editado hasta ese momento que se negó a participar del evento con el que la dictadura se montaba en la guerra de las Malvinas para acercarse al público joven.

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De todas maneras, el rechazo era hacia el régimen que había hecho de Jorge Moura, hermano mayor de los integrantes del grupo, uno de los 30.000 desaparecidos y no con los artistas que participaron.

Gustavo Cerati se rinde ante Moura

Pocos días después de la muerte de Federico, Gustavo Cerati, en un recital de Soda, le dedicaba una canción nueva a "un hombre alado". A continuación comenzaban a sonar los acordes de "La Ciudad de la Furia".

Este soprano masculino ha concedido 11 entrevistas en las última semanas y lleva dos intensas temporadas operísticas de nueve meses consecutivos. Ha capturado la atención por su extraordinaria voz aguda y su expresión interpretativa, aunque el camino no ha sido fácil. Durante su infancia, pasó recreos escondido en el salón y llegó a abandonar las aulas para evitar golpes y burlas de sus compañeros.

Por: Florantonia Singer, El País

Con más de 70.000 seguidores en Instagram, Mariño atrae a una audiencia joven hacia la ópera.

"Lo que hago no es exactamente lo que soy", reflexiona Mariño en una videollamada desde Berlín, justo antes de tomar su primera semana de vacaciones en dos años. "La voz siempre se asocia a la identidad. Pero, ¿soy mi voz cantada? Sí y no. Hay dos Samuel Mariño: el que canta y vive la ópera, que ocupa el 80% de mi vida, y otro Samuel que prefiere cosas simples, como quedarse en pijama, pasear al perro o ir al supermercado. Amo la naturaleza y no disfruto las grandes ciudades".

Con los años, Mariño ha aprendido a observarse desde una perspectiva externa, algo necesario para lidiar con los conflictos generados por su voz. "La llevo conmigo todos los días. En la escuela no solo se burlaban de mi voz, sino también de mi personalidad, y eso sigue ocurriendo. Incluso algunos colegas en la ópera hacen bromas sobre mi tono. Aceptar y amar mi voz ha sido un proceso largo, pero crucial para aceptarme a mí mismo".

Cuando tenía 13 años, el conflicto llegó al punto de que sus padres consideraron una operación para masculinizar su voz. Sin embargo, los médicos advirtieron que esa intervención podría acabar con su capacidad para cantar. "Estaba entre esa solución extrema y soportar el chalequeo, como llamamos al bullying en Venezuela. Nunca hablé de eso hasta años después, cuando lo mencioné en una entrevista. Mi mamá se enteró en ese momento".

Mariño creció en Caracas, en una familia de clase media con padres académicos. Estudió piano y canto en el Conservatorio de Música Simón Bolívar, formó parte del coro de voces blancas Schola Cantorum de Venezuela y combinó las clases de canto lírico con el ballet. En su entorno familiar, ni su voz ni su orientación sexual fueron motivo de rechazo. Según él, su mamá fue clave para que descubriera su pasión por la ópera. "Ella veía mi felicidad al cantar y me motivó a seguir. Cuando uno es niño y se siente libre, no entiende qué es la libertad".

Con más de 180.000 seguidores en Instagram, Mariño atrae a una audiencia joven hacia la ópera. "Soy cantante de ópera, pero diferente a lo que muchos imaginan. Aunque existen resistencias, estas ceden cuando demuestro mi preparación y brindo un espectáculo completo, incluso cambiándome varias veces de vestuario. Las redes sociales también han acercado a nuevos públicos a mis conciertos".

Cuando se le pregunta sobre las categorías tradicionales de voces masculinas y femeninas, Mariño reconoce la rigidez de estas clasificaciones en el canto lírico. En el siglo XVIII, a los castrati se les realizaba una intervención quirúrgica para conservar sus agudos y permitirles interpretar papeles femeninos. "Si me preguntas cuál es mi género, te digo que soy hombre, pero si me quieres llamar mujer, no tengo problema. Soy Samuel Mariño, un soprano que a veces canta en la línea del tenor".

A menudo, le preguntan si es castrado, lo que él toma con humor. "Algún día diré en una entrevista que sí lo soy, que en Venezuela todos pertenecemos a una tribu indígena que canta ópera", bromea. Aunque se ríe, señala que esas preguntas reflejan ignorancia. "Como dijo Einstein: ‘Todos somos ignorantes, pero no todos ignoramos las mismas cosas'. Estoy aquí para defender la diversidad. No importa cómo seas, lo que importa es el mensaje que transmites".

Hace una década, Mariño dejó Venezuela gracias a una profesora que enseñaba en La Sorbona. Al escucharlo cantar en Caracas, le consiguió audiciones en el Conservatorio Nacional de París. Poco después, Mariño y su madre recaudaban fondos vendiendo comida para costear el pasaje y los 1.000 euros con los que llegó a Europa. "Al principio, me costaba encajar en las normas del sistema".

En Francia intentaron que cantara como contratenor, pero al tomar clases con la soprano Barbara Bonney se especializó en papeles de castrato. Aunque los insultos de su adolescencia quedaron atrás, sigue enfrentando críticas en el mundo de la ópera, donde los errores se magnifican. Sin embargo, las reseñas destacan su habilidad técnica y su asombrosa coloratura.

La agenda de Mariño está en plena ebullición. Este año, cantará en Polonia, Puerto Rico y Austria, y debutará en España, además de recibir invitaciones de Colombia, Brasil y posiblemente el Teatro Colón en Buenos Aires. "He cantado en seis continentes, incluido África, pero todavía no he recibido una invitación para regresar a Venezuela", dice entre risas.

Por: Florantonia Singer, El País

Las hermanas Male y Lei Palmiro continúan consolidando su camino en la música con el lanzamiento de "A tu Lado", su segundo sencillo, que se estrenó el 6 de diciembre. La canción, que forma parte de su próximo álbum de estudio, es un homenaje al amor incondicional de la familia, transmitiendo un mensaje universal que puede resonar en cualquier tipo de relación.

Un origen familiar marcado por la música

Desde su infancia, Male y Lei han estado inmersas en el arte musical. Hijas de una cantante y un productor, crecieron rodeadas de melodías, aprendiendo a cantar y estudiar música desde pequeñas. Este entorno fue la base para su proyecto artístico, lanzado en 2023 con el sencillo "Workaholic", donde establecieron un estilo propio que combina el pop urbano con temáticas profundas y personales.

"Somos fruto de la música", afirman las artistas, destacando cómo su familia no solo inspiró su amor por este arte, sino que también se convirtió en el principal motor de su carrera.

"A tu Lado": un canto al amor incondicional

El nuevo sencillo de Male y Lei aborda un tipo de amor poco explorado en las canciones: el amor de la familia. "Queríamos hablar de algo distinto, transmitir que hay muchos tipos de amor, no solo el de pareja. Esta canción está dedicada a nuestra familia, que siempre nos ha apoyado en este camino", comenta Male.

Aunque inspirada en su vínculo familiar, "A tu Lado" tiene un mensaje abierto. Según las artistas, quienes la escuchen podrán conectar el tema con cualquier tipo de relación significativa, ya sea de amistad, amor o incluso el vínculo especial con las mascotas.

Un trabajo en equipo con grandes nombres

La creación y producción de "A tu Lado" fue un proceso colaborativo que reunió a talentosos profesionales. Ann Ride aportó su experiencia en la composición, mientras que Coni Luer trabajó como coach vocal. La producción musical estuvo a cargo de Diego Denegri y José Luis "Pepe" Pagán, un renombrado productor que ha trabajado con grandes figuras de la música.

"Todo el equipo aportó su talento en cada detalle, desde la letra hasta el sonido final. Sin su compromiso, esta canción no habría sido posible", señala Lei, destacando el esfuerzo colectivo detrás del sencillo.

Un estilo propio en camino a su primer álbum

"A tu Lado" es el segundo lanzamiento de Male y Lei, quienes buscan consolidar su identidad musical mientras trabajan en su primer álbum de estudio. Con un año de trayectoria, las artistas han demostrado su capacidad para transmitir emociones a través de su música.

"Queremos que nuestra música llegue al corazón de las personas, que encuentren en nuestras letras y melodías un reflejo de sus propias historias y sentimientos", asegura Male.

Disponible en plataformas digitales

"A tu Lado" ya se encuentra disponible en Spotify, YouTube y otras plataformas digitales. Male y Lei invitan a sus seguidores a disfrutar de esta canción cargada de emoción y amor, mientras continúan trabajando en más proyectos para el próximo año.

Mi pie izquierdo, aquella maravillosa película interpretada por Daniel Day Lewis, quien fue el encargado de darle vida al personaje de la vida real: Christy Brown. Quien fuera un ejemplo de superación y motivación para la creación de uno de los mayores éxitos de la década del ochenta.

Mi Pie Izquierdo, de la vida real al cine

Christy nació en Dublín, Irlanda en 1932. Fue uno de los 22 niños nacidos de sus padres. Su padre era un albañil de Crumlin y su madre era ama de casa.

A minutos de nacer, los médicos descubrieron que tenía una severa parálisis cerebral que lo dejó casi totalmente paralizado.

Durante la adolescencia de Christy apareció una asistente social llamada Katrina Delahunt. Se enteró de su historia y comenzó a visitarlo con regularidad. Empezó a traerle libros, materiales de pinturas, entre otros. Él demostró un gran interés en las artes y la literatura. Gracias a su asistente social, decidió hacer algo por él mismo y empezó a tener una impresionante habilidad física, ya que aprendió a escribir con la única extremidad que tenía. Su pie izquierdo.

Gracias al apoyo de su madre, que fue una profesora para él. Echó por tierra todas las barreras que impedían su integración en la sociedad al aprender a usar su pie izquierdo para escribir y pintar.

Cuando Mi Pie Izquierdo se convirtió en una sensación literaria, Christy se volvió famoso y comenzó a recibir cartas de admiradores, pero necesitaba ayuda para contestarlas así que contrató a Beth Moore, quien luego se convertiría en su esposa.

En 1965, Christy viajó a Connecticut para terminar su obra magna, que había estado desarrollando durante años. Finalmente lo terminó en 1967 con la ayuda de Beth. Finalmente el libro titulado Down, todos los días se publicó en 1970 y le permitió ser reconocido a nivel internacional.

Down, todos los días era un ambicioso proyecto elaborado en gran parte de una expansión de Mi Pie Izquierdo, y se convirtió en un bestseller internacional publicado en más de 14 idiomas. En la obra Christy utilizó la corriente de la conciencia técnica y trató de documentar la cultura de Dublín a través del uso del humor, dialectos precisos y descripción de las características intrincadas. A Down, todos los días le siguieron una serie de novelas como Una sombra en verano (1972), Salvajemente crecen los lirios (1976) y Una prometedora carrera (publicado póstumamente en 1982).

Con el pasar del tiempo, la salud de Christy se había deteriorado y murió trágicamente a los 49 años después de atragantarse durante una cena.

La interpretación con la que Daniel Day Lewis conmovió al mundo

Las artesanales interpretaciones nunca han dejado indiferente a nadie, pero lo que hizo Daniel Day-Lewis en Mi pie izquierdo fue absolutamente prodigioso. La película dirigida por Jim Sheridan, que cuenta la historia real de Christy Brown, pintor, escritor y poeta irlandés con parálisis cerebral y procedente de una familia pobre, que se convirtió en todo un ejemplo de superación al aprender a pintar y escribir con su pie izquierdo.

El actor puso en pie a crítica y público de todo el mundo y su trabajo fue reconocido con el Oscar al Mejor Actor Protagonista en 1990, un premio que recibiría en dos ocasiones más por sus no menos complicados personajes en Pozos de ambición (Paul Thomas Anderson, 2007) y Lincoln (Steven Spielberg, 2012).

¿Cómo y cuándo se podrá ver la entrega de los premios martín fierro 2024?

En Mendoza, aparentemente, sólo podrá verse a través de DirecTV: canal 123 (Digital) y 1123 (HD).

Asimismo, desde las 18.00 hs, la sección "Streams Telefe" del sitio mitelefe.com, Twitch y YouTube comenzará con la cobertura del "detrás de la escena", entrevistas a los nominados y la esperada Alfombra Roja en las que los famosos lucirán los modelos de las mejores marcas.

Finalmente, a las 21.00 hs. Santiago del Moro saldrá a escena nuevamente como conductor y nominado a la vez, ya que su Gran Hermano está entre los principales candidatos.

Se esperan también homenajes a Adrián Suar, Cris Morena, al noticiero Nuevediario que cumplió cuatro décadas, y a Pasión de Sábado por sus 35 años de transmisiones.

Polémica en los Martin Fierro: la ex Gran Hermano que no entraría en la lista de invitados

El 9 de septiembre se entregarán los premios Martin Fierro a lo mejor de la televisión argentina del último año. Gran Hermano por supuesto fue ternado en varias categorías y por ende, deberá tener representación en la gala.

Laura Ubfal contó que los elegidos fueron Bautista, Emmanuel, Nicolás, Lisandro, Rosina, Virginia, Martin Ku y Denisse, lo cual desató una ola de críticas y cometarios en redes sociales. ¿El motivo? Furia no sería invitada. La participante terminó en muy malos términos con el canal de las pelotas.

El Graduado es una película estadounidense de 1967, dirigida por Mike Nichols, con Dustin Hoffman, Anne Bancroft y Katharine Ross. La película fue un gran éxito, tanto comercial como crítico, y se convirtió en un referente cultural de los años sesenta. La banda sonora de Simon & Garfunkel también le dio a la película un fuerte impacto cultural.

Dónde ver El Graduado

En Argentina podés encontrar "El Graduado" en Amazon Prime. 

Casting único

Dustin Hoffman fue elegido para interpretar el papel principal de Benjamin Braddock después de una audición intensiva. La elección fue inusual ya que Hoffman no tenía el aspecto típico de un protagonista de Hollywood en ese momento.

La icónica escena de la piscina

La famosa escena en la que Benjamin flota en la piscina mientras se siente abrumado por la presión social fue filmada con una técnica especial. Dustin Hoffman estaba realmente flotando en la piscina, pero se utilizó una plataforma de vidrio debajo de él para lograr el efecto de que estuviera flotando en el agua.

La música de Simon & Garfunkel

La banda sonora de la película, compuesta principalmente por canciones de Simon & Garfunkel, fue un elemento crucial en la creación de su atmósfera distintiva. Canciones como "Mrs. Robinson" y "The Sound of Silence" se han convertido en icónicas y están estrechamente asociadas con la película.

El diálogo improvisado

Se dice que varias líneas de diálogo en la película fueron improvisadas por los actores, lo que agregó un sentido de autenticidad a las escenas. La famosa línea de Dustin Hoffman, "¡Señora Robinson, usted está tratando de seducirme!", es un ejemplo destacado de una improvisación que se convirtió en parte integral de la película.

El éxito inesperado

Aunque se esperaba que "El Graduado" fuera un éxito moderado, se convirtió en un fenómeno cultural y uno de los mayores éxitos de taquilla de 1967. Su exploración de temas como el desencanto generacional y la rebeldía juvenil resonó fuertemente con la audiencia de la época. Estas son solo algunas curiosidades que rodean la producción de "El Graduado", una película que dejó una marca indeleble en la historia del cine.

El Método

Como buen seguidor del método interpretativo de Lee Strasberg, Hoffman vivió el personaje de Ben. De hecho, cuando llegó a la oficina del productor de la película, Joseph E. Levine, para realizar una audición, este le confundió con un limpiador de ventanas y Hoffman le siguió el juego, ya que se puso a limpiar una de las ventanas del despacho.

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Gene Hackman

Al igual que Dustin Hoffman estaba luchando por forjarse una carrera, su antiguo compañero de piso, Gene Hackman, estaba siguiendo de cerca sus pasos. Hackman se hizo con el papel de Mr. Robinson en "El Graduado", pero fue despedido cuando comenzaron los ensayos, ya que Mike Nichols tenía la impresión de que era demasiado joven para el papel, aunque tuviera un año más que Anne Bancroft, su mujer en pantalla. Este revés no hundió al actor, que aterrizó en "Bonnie y Clyde" ese mismo año y su papel le llevaría a su primera nominación a los Oscar. 

La falta de experiencia minó la seguridad de Dustin Hoffman

Durante las pruebas de casting, ya que sentía que no encajaba en el papel de Ben Braddock. Durante su audición conjunta con Katharine Ross, trató de rebajar la tensión acariciando y pellizcando a la que sería posteriormente su pareja en pantalla, lo cual supuso una sonora reprimenda por parte de la actriz. Hoffman se fue a su casa concienciado de que ya se podía despedir del proyecto, pero Mike Nichols tuvo más claro que nunca que quería contar con él al ver esa incómoda actitud en la prueba.

El amor y la atracción no entienden de edad

Estamos acostumbrados a ver gente en la treintena interpretando a post-adolescentes, y en el caso de "El Graduado" el tema de la edad se respeto lo justo. Buena prueba de ello es que Anne Bancroft, la popular Mrs. Robinson, en la vida real tan solo tenía seis años más que Dustin Hoffman y ocho más que su hija en pantalla, Katharine Ross. Anne falleció en 2005, en Nueva York, víctima de un cáncer.

Robert Redford se quedó a las puertas de interpretar a Ben

El actor acumulaba multitud de créditos en televisión, pero en el ámbito del cine todavía no atesoraba una gran popularidad. Sin embargo, Nichols no creyó que encajara en el papel, algo que Redford no entendió, ya que él creía comprender al milímetro el papel. Nichols le preguntó: "¿Alguna vez la has cagado con una chica?" A lo que el actor respondió: "¿A qué te refieres?" "Eso quiero decir", replicó Nichols. La conversación terminó con esta invitación a la reflexión del cineasta: "Bob, mira al espejo. ¿Honestamente puedes imaginar a un muchacho como tú teniendo dificultades para seducir a una mujer?"

Mike Nichols ganó un millón de dólares

El sistema de estudios de Hollywood había promovido que la figura del director se limitara a la correcta organización y ejecución del rodaje, por lo que su implicación era menor de lo que nos encontramos hoy en día. Mike Nichols fue uno de los primeros cineastas que buscaron hacer trizas ese formato, y después del gran éxito de "¿Quién teme a Virginia Woolf?" vio recompensado su esfuerzo con un salario de un millón de dólares por "El Graduado", una cifra jamás pagada a un realizador previamente.

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Es imposible no acodarse del cartel promocional de "El Graduado"

En él nos encontramos con un azorado Dustin Hoffman que observa la pierna que ante él se erige. Pero aquella pierna no pertenecía a la Mrs. Robinson original, Anne Bancroft, sino a la desconocida modelo Linda Gray, que más tarde interpretaría a ese seductor personaje en una adaptación musical londinense de la película.

Dustin Hoffman tuvo que pedir permiso para presentarse al casting de "El Graduado"

El actor californiano iba a interpretar un papel ese mismo año en "Los Productores", por lo que tuvo que solicitar a su director, Mel Brooks, permiso para tratar de hacerse con el protagonista de la película de Mike Nichols. Brooks estaba casado con Anne Bancroft, por lo que conocía bien la historia de "El Graduado" y pensó que Hoffman no tendría posibilidad de hacerse con el papel. Desgraciadamente para él, se equivocó.

Otras curiosidades de El Graduado

Durante los ensayos de la primera escena del hotel, donde se encuentran Ben y Mrs. Robinson, Hoffman decidió recurrir a una estrategia adolescente sin que su compañera, Anne Bancroft, lo supiera. El actor le toco un pecho a Bancroft de forma inesperada, inspirándose en el gesto de ponerse la chaqueta con el que los muchachos trataban de rozar a las chicas en el instituto. Mike Nichols instantáneamente comenzó a reír, al igual que Hoffman, que se dirigió a la pared y empezó a golpearla con la cabeza para frenar las carcajadas. A Nichols le pareció tan genuino el momento que decidió incluirlo en la película.

Mike Nichols recibió la llamada de una estrella de Hollywood que quería hacerse con el papel de Mrs. Robinson

La interesada no era otra que Ava Gardner, que había escuchado hablar del proyecto y se lo comunicó a su director, que asistió a una reunión con ella con pocas expectativas de contratarla, ya que sumaba casi diez años más que Bancroft. Recordando esa reunión, Nichols afirmó que Gardner hizo mención a todos los tópicos cinematográficos posibles y le marcó una línea roja desde el primer momento:

Muy bien, vamos a hablar de tu película. En primer lugar, no me desnudo para nadie.

Postura que facilitó mucho a Nichols su decisión de casting.

El Graduado, 1967

"El Graduado" es una película estadounidense del año 1967 dirigida por Mike Nichols. Con Dustin Hoffman, Anne Bancroft y Katharine Ross.

Un joven recién graduado en la universidad que atraviesa una crisis existencial se ve envuelto en una compleja confusión romántica. A su vez, Bancroft en su papel de Mrs. Robinson se convierte en la seductora e intrigante esposa de un amigo entrado en años del protagonista. Mientras Benjamin se enamora de la hija de ella, Elaine Robinson, interpretada por Katharine Ross.

La película fue un gran éxito, tanto comercial como crítico y se convirtió en un referente cultural de los años sesenta.

Ganó varios premios de la Academia además, de ser premiada la Mejor Dirección de Mike Nichols. Como resultado, la actuación de Dustin Hoffman en el papel de Benjamin Braddock, un hombre lleno de ansiedades, lo estableció como una de las estrellas de cine más grandes de Hollywood.

La banda sonora de Simon & Garfunkel también le dio a la película un fuerte impacto cultural.

 Con residencia en Río Gallegos, pero en cuarentena en Buenos Aires, así podemos encontrar a Miguel, que en el comienzo de la entrevista recordó su encuentro con Nito Mestre en su último show en el Sur, donde también pudieron compartir algunas canciones.

¿Sentís que Pastoral dejó huella en la música Argentina?

"Marcamos un momento y perduro en el tiempo, ahora que vivo lejos en Río Gallegos me di cuenta que quedó un buen recuerdo. El día que nos encontramos en Río Gallegos con Nito, fue un día muy importante porque hacia muchísimos años que no lo veía, y de pronto encontrarnos, fue como que habían pasado dos días, porque seguía siendo la misma persona de siempre, y me puso muy contento, porque la vida me dio la oportunidad de encontrarnos otra vez, estando yo tan lejos, son cosas que se dan pocas veces. Son los momentos que te deja la música".

¿Pastoral fue catalogado como el nuevo Sui Generis, ustedes creyeron que fue así?

"Creo que eso fue algo de la prensa, porque en esa época estaba Sui Generis y podríamos haber dicho que ellos sucedieron a Pedro y Pablo que fue el dúo anterior, pero ninguno hacíamos la misma música, las letras eran distintas, el único factor común era el dúo. Nunca sentimos que le copiábamos a alguien, ni que nos copiaron a nosotros. Éramos todos Hippies".

¿Cómo surge el nombre del dúo, Pastoral?

"Un día Alejandro vino a estudiar a mi casa, cuando aún no tocábamos juntos, yo tenía una guitarra en casa y él se puso a tocar una canción que se llamaba Libertad Pastoral, me gustó mucho la canción, le puse una segunda voz, una flauta, y sonaba lindo, a partir de ahí empezamos a cantar juntos, y no teníamos un nombre, entonces nos pareció que teníamos que llamarnos Pastoral en honor a esa canción".

Eran unos adelantados al hablar del ser humano y la ecología, ¿Sabían lo que estaban generando en el público?

"Nosotros siempre dimos mucha importancia a la ecología, al cuidado de la tierra, por eso? Temo al cemento que oprime las vidas? de la canción Opresión Natural. Después esto de la ecología se fue poniendo de moda y se convirtió en algo popular, pero nosotros siempre tuvimos ese tema en cuenta y lo tomábamos en serio".

¿Qué artistas influyeron musicalmente en ustedes?

"Mi ídolo era Lito Nebbia y para Alejandro era Spinetta. Por suerte pudimos hacer el álbum En el Hospicio con Lito, que para mí era como estar con Dios. Escuchábamos mucha música folk y grupos que cantaban a muchas voces, porque nos gustaban esas bandas donde había mucho trabajo vocal, de ahí aprendíamos, y siempre buscábamos armonía en nuestras voces, que se daban de manera natural entre nosotros".

¿Actualmente qué escuchas?

"Yo escucho los clásicos, pero actualmente escucho mucha música africana, música rusa, trato de escuchar música lejana, música "extraña". Tengo una app que se llama Radio Garden, donde tenés el mapamundi con las radios de todo el mundo, así que te imaginas que el acceso a la música es infinito".

¿Cómo sería Pastoral hoy?

"No creo que podríamos seguir tocando, mantener un ritmo como que teníamos, no nos daría el cuerpo. Pero si nos juntaríamos eventualmente para tocar. Pienso que hoy todo es más rápido, porque con una computadora podes producir un disco, antes no era tan fácil, llevaba mucho más trabajo".

¿Si no hubieras sido músico, qué hubieras sido?

"Yo estudiaba odontología, probablemente hubiera seguido ese camino, pero esto me recuerda que vivíamos presos, porque salíamos a pegar afiches y en esa época con el pelo largo terminábamos en el departamento de policía, y siempre nos preguntaban de que trabajábamos, y nosotros le decíamos de la música, pero nos volvían a preguntar, ¿en serio de que trabajan?, porque no se catalogaba a la música como un trabajo".

¿Cuál es tu actividad actual?

"Mi actividad actual es una nueva época, porque me jubilé, ahora hasta que termine la cuarentena me quedo en la casa de mi madre, así que cuando vuelva a Río Gallego veré como sigue la película".

Pastoral, un legado vivo

Pastoral fue una banda icónica del rock nacional argentino, integrada por Miguel Ángel Erausquin y Alejandro De Michele, que dejó una huella profunda en la escena musical de los años 70. Formado en 1973, el dúo se destacó por su estilo único que combinaba el rock con elementos de folk y una sensibilidad poética que exploraba temas existenciales, sociales y espirituales.

Miguel Ángel Erausquin y Alejandro De Michele, ambos jóvenes y autodidactas, se conocieron en la escuela secundaria y rápidamente comenzaron a componer canciones que reflejaban su visión introspectiva y melancólica del mundo. Su música, caracterizada por arreglos acústicos y armonías vocales, ofrecía una atmósfera intimista que conectaba de manera especial con el público juvenil de la época. El primer álbum de la banda, titulado simplemente "Pastoral" (1973), capturó la atención con temas como "Libertad pastoral" y "En el hospicio", que abordaban cuestiones de libertad, angustia y búsqueda de identidad.

Su segundo disco, "En el hospicio" (1975), consolidó su estilo distintivo, ampliando su popularidad y llevándolos a tocar en algunos de los escenarios más importantes del país. Sin embargo, fue con "Humanos" (1976) que Pastoral alcanzó su punto álgido, presentando canciones como "Humanos" y "Aquel lugar", que se convirtieron en clásicos del repertorio del rock argentino.

La lírica de De Michele, cargada de simbolismo y profundidad emocional, junto a la sensibilidad musical de Erausquin, creó una obra que resonó fuertemente en una Argentina marcada por la incertidumbre y el cambio social.

Trágicamente, la historia de Pastoral se vio interrumpida en 1983 con la muerte de Alejandro De Michele en un accidente automovilístico.

Su legado, sin embargo, sigue vivo, y Pastoral es recordada como una de las bandas más poéticas y profundas del rock argentino, cuya música sigue conmoviendo a nuevas generaciones.

Por Fernando Cascino

El artista Orlando Pelichotti estuvo presente en la inauguración

En ella se muestra a mujeres trabajadoras de distintos países de América sobre centenarias partituras encontradas en Italia, intervenidas con pigmentos naturales extraídos de la Cordillera de los Andes y restos de la molienda del café de Maracay.

Orlando Pelichotti, autor de Fractales

En diálogo con Diario Portada, Orlando Pelichotti, explicó que: "el Museo Municipal de Bellas Artes Juan Sánchez, de Río Negro, es uno de los museos principales del Sur argentino. Todos los años desde el museo hacen una convocatoria anual, de las cuales 10 son elegidas para exponer y allí resulté ganador".

La muestra nació en Paris, pasó previamente por Santiago de Chile, Montevideo, Caracas y Panamá. También estuvo expuesta en el ECA de San Rafael y la Casa de Arte de Daniel Rueda.

La exposición sugiere inicialmente diez obras, para concluir con catorce obras creadas in situ por los espectadores que la visiten durante los meses que será mostrada.

Las mismas están impresas sobre partituras encontradas de manera casual en Italia, donde aparecen esas mujeres caminantes, incansables, inquebrantables, ellas, ahí, sostenidas por la música -en letras- y con la polaridad que marca un soneto desde lo clásico mismo.

Como dice Kardo Kosta (desde El Sueño del Pibe en Suiza):

... que las palabras no alcanzan para definir lo que queremos expresar, por lo que hay que dejar libres la emociones para entrar en su armonía personal para llegar a la propia y única visión de la belleza.

Orlando Pelichotti es fotoperiodista, artista plástico y docente

Aporta su calidad periodística en nuestro medio, con crónicas exclusivas y retratos únicos. Sus 30 años de aportes en Diario Los Andes, sus incontables premios como artista plástico y fotógrafo, sus miles de kilómetros recorridos por el Mundo, convergen en los trabajos que compartimos en Diario PORTADA.

La película es un compendio de obras de arte de alta montaña del pintor Fidel Roig Matóns, un catalán que llegó a Argentina y se maravilló con la historia y la cordillera andina.

Quién fue Fidel Roig Matóns

El pintor catalán Fidel Roig Matóns llegó a Mendoza a comienzos del siglo pasado. Afincado en Cuyo, se internó en largas expediciones a la montaña desde 1936 a 1952. Allí encontró los cruces de San Martín y su ejército libertador. Desarrolló una obra pictórica que llamó Paisaje Épico, buscando unir el paisaje y la historia.

Los Andes serán el espacio-tiempo de un nuevo viaje que hacemos sus descendientes junto a las memorias que el artista nos dejó.

Interpreta en off la voz del artista el actor catalán Sergi López.

Fidel Roig Matóns llegó a Mendoza a comienzos del siglo pasado.

Entre 1936 y 1952 Fidel Roig Matóns se aventuró como pintor de alta montaña.

Las obras de Fidel Roig Matóns

Las obras que surgieron de esta experiencia corresponden a tres míticos cruces, distintos en espacio y tiempo, del General San Martín en el Siglo XIX:

• "Regreso del Gral. San Martín y encuentro con Olazábal en la cumbre del Portillo".
• "Conducción del Gral. San Martín hacia los baños Cauquenes por 60 granaderos".
• "San Martín y su Estado Mayor presencian el paso de las tropas por el Espinacito".

El impacto de la luz y la resolana. propias de la altura de Los Andes lo dejan ciego en los últimos años de vida por lo que la pintura del último cruce queda inconcluso. Hoy la "Pinacoteca Sanmartiniana Fidel Roig Matóns" es exhibida de manera permanente en la Municipalidad de la Ciudad de Mendoza.

Dice la Directora, Valeria Roig

"¿Qué hacemos con los legados familiares?. Son caminos para conocer el mundo. Otras veces una manera de abordarlo. Mi bisabuelo pintor marcó con su trabajo mi niñez y adolescencia, su obra pictórica me llevó a sentir un gran amor por la historia sanmartiniana, por las montañas y también por el arte. Pero sobre todo por el arte como interpretación posible de la historia. Siempre me maravilló cómo un catalán, a partir de su arte, echó raíces profundas en su Mendoza adoptiva.

Tenía 20 años y ya estudiaba cine, cuando mi tío abuelo Mario, me regaló una película de 16mm realizada por él mismo en la última expedición a la montaña con su padre, Fidel. Esa película y otros rollos de fílmicos en 35mm, cientos de fotografías blanco y negro, los cuadros y finalmente el poder encontrarme con diarios escritos por el artista durante sus expediciones me llevaron a realizar este documental.

Siempre tuve claro que para poder contar la pasión de Fidel por la gesta sanmartiniana y las montañas era necesario hacer el documental en los mismos paisajes que en el siglo XIX transitó el Libertador San Martín y que un siglo después recorrió mi abuelo para realizar su obra pictórica. La única manera de hacer esta película era logrando un nuevo viaje por Los Andes en el siglo XXI.

Son mis familiares a su vez son quienes me acompañan a contar esta historia que envuelve a cuatro generaciones. Enrique Roig, hijo menor del artista, y mis primos Ana Plaza Roig y Esteban Roig.

A lo largo de nuestro viaje nos preguntamos cómo era pintar en alta montaña en esos paisajes áridos y peligrosos, qué buscaba Fidel con su obra, cómo financió esta tarea tan ardua, cómo fue que luego de más de 20 años de trabajar en las montañas quedó prácticamente ciego, qué versión de San Martín buscó representar en cada uno de estos tres pasos cordilleranos. Junto a las memorias que nos dejó FRM buscamos abordar este legado que aún hoy es parte viva de la historia en las provincias de Mendoza y San Juan."